Semana 6: Generación de figuras

Semana 6

11/10/2012

Continuamos con la creación de figuras que empezamos la semana pasada.

En la clase de hoy hemos visto como la cultura tiene que ver con producir figuras, deshaciendo lo hecho. En el Renacimiento se invierte todo lo propuesto por los anteriores movimientos. La imagen surge del fondo puro creando espacios donde el espectador se introduce, surge la profundidad.

En el Barroco se rompe con todo lo anterior, aparece el volumen, se insinua la perspectiva, surgen espacios verosímiles y científicos en los que se producen figuras de manera racional. La relación figura-fondo se rompe por la luz (claro-oscuro).

Algunos artistas tomados como ejemplo son:

-Tiziano: fue un pintor italiano del Renacimiento, cuya obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

 

-Caravaggio:  Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco. Caravaggio «colocó la oscuridad (sombras) en el claroscuro». El claroscuro llegó a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante.

                                          

Destaca igualmente "El Greco":  evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes.

                                        

Pero la ruptura definitiva se dio con el Impresionismo que trabaja la pincelada. Se radicalizan los colores que rompen el dibujo tradicional.

 Hoy nos hemos centrado en Matisse, fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo, movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Más tarde dio paso al cubismo.

• Utiliza colores vivos y estridentes (colores puros y complementarios).
• Trabaja en un plano empírico donde el valor se le da a los colores.
• Contrapone colores que no se fundan en una gama y se pierde la profundidad.
• Rompe la figura tradicional hacia el cubismo.

 

El ejercicio de hoy consiste en retratar a un compañero, con colores estridentes y vivos, complementarios, pero teniendo en cuenta las luces y sombras, y sobre todo la forma, ya que estamos trabajando en el dibujo icónico.

Retrato de un compañero

Semana 5: Producir figuras

Semana 5

05/10/2012

   Los niños empiezan sus dibujos con un madejo de líneas sin sentido.

Más tarde comienzan a realizar figuras icónicas.

   El objetivo de estas clases es volver al mundo de los niños, el garabateo. Ayer nos basamos en imágenes del Art Brut, dibujando como niños de 5 o 6 años, pero aún seguían siendo dibujos icónicos.

   Hoy nos hemos centrado en el garabato el cual no está controlado por el ojo.

Así podemos distinguir dos tipos de vertientes:

• Vertiente háptica, donde el ojo no controla a la mano.

• Vertiente óptica que es el dibujo icónico en sí.

   El garabato significa tantear, probar, crear,...es una imágen "fantasmática", esto es, el intermedio entre nuestra imaginación y la realidad.
   Los grandes autores como Miguel Ángel o Leonardo Da Vinci también garabateaban.
En muchas de sus obras primero fijan el madejo de líneas y más tarde el color. Algunos de sus dibujos son:

 

   En el dibujo hay que probar, fracasar y volver a intentar. Es así como se aprende. Como artista referente tomamos a Antonio Saura. La mayor parte de la obra de Antonio Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica.

   Utiliza una línea que tiene que ver con el tanteo, los sentimientos, y otra línea que va por la racionalidad, más constructiva.

                                                    

 

 

 

   En el trabajo pedido hoy:

Hay que tener en cuenta que seguimos en el campo del mundo real.

   Debemos realizar líneas sueltas, atrevidas, y más tarde, con el acrílico, sacar figuras y formas.

1º paso:

2º paso:

                                                 

04/10/2012

   Una semana más de clase, pero una clase en la que debíamos plasmar algo más real, más cercano a nosotros (o eso nos pareció al principio).

   Nada más comenzar el profesor Burgaleta nos pidió que hiciésemos un autorretrato. Todos nos dispusimos de inmediato a plasmar lo más fielmente posible nuestro propio rostro. Poco a poco surgían caras reconocibles, con trazos delicados. 

 Mi autorretrato:

   Pero no se trataba de aquello, por supuesto que no.
Entonces, ¿cómo debíamos dibujarnos?
La respuesta es muy sencilla: como se dibujarían unos niños. Niños sin temor de que nadie les dijera lo mal que estaban sus dibujos, niños que representan el verdadero significado de nosotros mismos, niños que disfrutan pintando.

   No se trata de colocarnos unas máscaras y pretender que nos vean de esa forma, sino de reflejar nuestra personalidad, sentimientos y emociones.

   Al acabar esta reflexión procedimos a ver algunos cuadros del artista Jean Dubuffet. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, creando figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles: se inspiró en el dibujo de los niños personajes bufos, morbosos, etc.

Estas son algunas de sus obras:

 

Y sin más dilación nos pusimos manos a la obra: 

He de decir que disfruté muchísimo haciendo estos dibujos.

Semana 4: Recta final en la toma de contacto

Semana 4

28/09/2012

   La clase de hoy ha empezado igual que la de ayer, exponiendo el cuadro de Boccioni: "Estados de la mente". 
   El ejercicio que debíamos realizar era como el de ayer pero utilizando chunky blanco sobre fondo negro. El profesor Burgaleta propone tres momentos en el dibujo:

1. Un primer paso en el que se comienzan a dibujar líneas horizontales, pero de forma muy suave.
2. Un segundo momento en el que se plasman líneas verticales, también muy suaves.
3. Y por último, corregir y crear tramas complejas aumnetando la intensidad con la que apretamos el chunky contra el papel. También se puede utilizar la goma de borrar para que las tramas no sean difusas y se distingan. 

El entrecruzado de líneas resultante es el siguiente:

   En el segundo ejercicio, debíamos realizar el mismo dibujo que el anterior pero introduciendo color, para que el volumen sea mayor. Para ello se deben marcar algunas curvas dando la sensación de que unas tramas pasan por encima de otras.

   Por último hemos finalizado la clase realizando un tercer dibujo. El autor de referencia ha sido el alemán Fleischmann. 

   El trazado que se debe seguir es mucho más minucioso, con rectas verticales y horizontales. Los colores empleados deben ser del mismo tono incorporando el blanco. Finalmente se observa que hay un acabado: las líneas verticales que atraviesan el cuadro.

   Al dedicarle más tiempo a los otros ejercicios este no lo hemos podido acabar, ya que, como el profesor Burgaleta ha mencionado: "La vida está llena de momentos sin acabar."

27/09/2012

 

   Para finalizar esta etapa de iniciación, analizaremos a un futurista italiano que estudia el movimiento: Boccioni. En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de las materias. Evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración.

  "Estados de la mente"

   En este cuadro podemos observar que todas las líneas son curvas dando al espectador una sensación de dinamismo y movimiento.

Analizando esta obra observamos varias etapas:

1. Varias capas transparentes.
2. Relación entre las distintas capas.
3. Efecto de volumen debido a esa relación establecida.
4. Empleo de goma de borrar para enfatizar los destellos y distinguir los trazados.

   La tonalidad emocional que transmite es de relax, tranquilidad. Hay complejidad, sí, pero no caos.
Se ve el orden dentro de las capas y trazos empleados.

   Así he empezado a dibujar, pero con movimientos suaves, casi imperceptibles al ojo, para luego ir dando más y más contraste gracias al negro. La goma de borrar también me ha ayudado en este proceso pudiendo recuperar los blancos perdidos.

   En un segundo ejercicio, se nos ha planteado un contraste ya que el artista tomado como referencia ha sido: Rómul Nutiu, artista del siglo XX nacido en Rumanía y centrado en el estudio de las formas y el movimiento.

   Se basa en el tachismo, con golpes de brochas en vertical, aunque destaca alguna en horizontal. Los colores que predominan son los primarios y alguno secundario: azul, amarillo, magenta, verde,...
   La tonalidad emocional es atrevida, valiente, por lo que la postura que debemos de adoptar es de espadachín, hacia delante y hacia atrás para observar lo que dibujamos.

   
   Ciertamente en esta obra me ha faltado energía. He querido controlar demasiado mis movimientos y los brochazos no han sido lo suficientemente agresivos.

Semana 3: El gesto y la tonalidad emocional

Semana3

 21/09/2012

   En la clase de hoy nos centraremos en la actitud pasiva que deben tener en ocasiones algunos artistas, por ejemplo Zóbel, pintor español que se dedicó fundamentalmente a la pintura abstracta.
   Los cuadros de Zóbel son de apariencia simple y espontánea, aunque están creados después de un estudio minucioso y una planificación perfecta.
   Es decir, que hoy nos hemos dedicado a observarlo todo, nuestro alrededor, formas, texturas,...

   Por eso la clase ha sido algo distinta a las anteriores ya que en vez de visualizar un cuadro en concreto hemos contemplado durante unos minutos varios cuadros que pasaban en diapositivas. Cada uno podía elegir el estilo y trazado que más le gustase y comenzar a trabajar.
  

 

 

He iniciado mi dibujo construyendo formas geométricas, pero no debía empezar desde el final, por lo que he vuelto a comenzar. Las manchas salían poco a poco para luego dar paso a esas formas geométricas definidas. Finalmente he añadido el negro dando un contraste a la obra:

Los colores no se aprecian tanto en la fotografía pero sí en el cuadro.

20/09/2012

   Esta semana trabajaremos uno de los aspectos esenciales de esta asignatura:

-Iniciación en la creación arquitectónica dibujando, es decir, lo que tiene que ver con producir figuras.

   La palabra “iniciación” la podemos asociar a especialización. Un ejemplo puede ser la mano la cual es una operación esencial donde el gesto nos lleva a realizar una acción. 
   Toda acción implica un conocimiento.

   El dibujo es un proceso que nos lleva a volver a obtener la soltura, libertad, imaginación y creación que el proceso de socialización a acallado en nosotros durante nuestros años de formación.

   Por eso en la clase de hoy, y en general en todas, debemos soltar la mano en un contexto gráfico, pero siempre con una relación entre figura y fondo.

   Los trabajos propuestos esta semana han sido tomando como referencia a :

• Constable del siglo XX, experto en el dibujo de las nubes.

• Turner, el cual se centra en el desarrollo de las nubes con distintas técnicas.

• Zobel, un importante pintor español.

                                                   

   Siguiendo estos modelos, hemos empezado a dibujar, pero no conseguíamos coger la técnica ni el estilo propuestos, por lo que volvimos a visualizar las imágenes sobre las que nos teníamos que basar y realizamos unos esquemas de algunos de los dibujos, tal y como Leonardo hizo con muchas de sus obras: 

 














   Tras este pequeño análisis, hemos continuado, y algunos empezado de nuevo, nuestra pintura. Finalmente he conseguido plasmar distintos trazados variando los colores y direcciones de las líneas:

Semana 2: Liberar la mano

  Semana 2

14/09/2012 

   En el día de hoy hemos continuado con el tema y la pintura de ayer. Algunos han preferido empezar de nuevo su cuadro ya que no les convencía demasiado...Pero ¿qué tienen que llegar a ser realmente nuestras obras? Supongo que un reflejo de nosotros, la manera artística de describirnos y así es como he intentado plasmarlo. No ha sido fácil ya que puede que en algunos momentos haya experimentado una mayor energía, pero en otros simplemente no sentía lo mismo y el trazado era diferente.

   La clase de hoy pretendía mostrar varias etapas:

• La primera de ellas consistía en realizar un fondo con algunas formas o manchas de colores.

• En una segunda etapa se muestra una confusión, borrón y una especie de desesperación del autor, el cual intenta deshacer todo lo realizado.

• Por último aparecen sobre esa sombra de colores difuminados, unas formas definidas que dan sentido a las emociones del autor; esa tranquilidad se expresa de manera determinada y sin miedo sobre el papel.

   Las líneas desaparecen para dar paso a manchas y formas sin ningún sentido geométrico. El resultado ha sido el siguiente:

   En un segundo ejercicio, se muestran tiras de diferentes colores, con predominio del blanco, sobre un fondo oscuro. El autor es Tomlin, un norteamericano que se inició en el cubismo.

   Los trazos que se deben seguir en esta ocasión son completamente diferentes a los anteriores: gruesos trazos rectos y cortos, con movimientos lentos y más relajados.

   Los cuadros deben pensarse, nunca hacerlos sin intención alguna, así que antes de ponernos a construir nuestra obra debemos fijarnos en el “modelo” a seguir y expresar sobre el papel nuestra intención.

   Eso mismo he querido realizar en esta obra: 

13/09/2012

   ¿Cuál es la operación fundamental?

Tantear, es decir, fluir, movilidad,...

La actitud debe ser de balanceo, dejarse llevar por el movimiento o emociones. Plasmar sentimientos en nuestro estilo.

   Además se debe prestar atención, no sólo a los detalles, sino percibir lo que nos rodea y conocer todo aquello que aun no conocemos, o que creemos conocer.

   ¿Pero cómo se consigue?

Aquí es donde resaltamos el tema de estas semanas: Liberar la mano.

El simple hecho de moverse da una sensación de felicidad y satisfacción.

La manera en que nos expresamos en el papel viene unido a nuestro carácter, definido por el temperamento de cada uno.

   Pero no todo tiene que ver con uno mismo, sino que la cultura también influye ya que la sociedad ayuda a nuestra formación, ahora bien, cada quien la interpreta de una forma y eso es lo que nos distingue. La cultura tradicional antepone la teoría a la práctica, mientras que el pensamiento moderno apuesta por la práctica (“práxis”).

   El primer contacto con el papel no es sencillo ya que todos solemos estar anclado a unas normas pero de lo que se trata es de “liberarse” dejarse llevar.

   Reproducir cuadros no supone su copia literal, sino percibir lo que nos quiere decir y reproducirlo a nuestra manera. Por eso mismo, y con la intención de liberar las manos, hemos cogido como pintor de referencia a Twombly:

   Admito que al ver esta imagen me quedé sorprendida. Mi hermano me había enseñado un dibujo suyo el día anterior y se parecía bastante a este. Pero si nos fijamos bien es imposible que nadie vuelva a realizar un dibujo igual. Cada trazado, línea y movimiento son la huella de cada uno de nosotros.

   De este modo me deje llevar por el ambiente, la clase y las ganas de crear y el resultado fue el siguiente:

   En una segunda imagen expuesta, del mismo autor, hemos tenido que parar a pensar y analizar.

    El pensamiento racional tiene que ver con la causa-efecto, ya que a partir de algo surge un pensamiento nuevo.Esto es, debemos descomponer las ideas e imágenes complejas en unas más simples para poder comprenderlas. Así surgen ideas nuevas que podremos llevar a cabo en nuestro papel. El resultado ha sido el siguiente: